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Dans ce premier défi couleur, je vous propose de constituer une collection de couleurs et de jouer avec elle.
Pourquoi constituer une collection de couleurs? Ne suffit-il pas d’acheter un nuancier de couleurs comme Pantone, RAL ou de consulter n’importe quel site de fabricant de peinture, ou encore d’exposer ses gouaches sur la table?
Il y a trois bonnes raisons pour la constituer soi-même. La première est qu’en constituant sa propre collection on doit situer une couleur parmi d’autres et donc, affiner sa perception. Si une couleur est trop semblable à une autre, inutile de la garder.
La deuxième est qu’un tel outil est très pratique. Regardez ces deux portraits: celui de l’artisane Françoise Lesage et celui de la styliste Anne Élisabeth et voyez comment l’une et l’autre utilisent leur collection d’échantillons colorés, qu’elle soit en céramique ou constituée de morceaux d’étoffes classées dans des bocaux.
La troisième est que le résultat est beau et le processus amusant. C’est la meilleure raison.
Pour ajouter un zeste de créativité, voici une contrainte: réalisez votre nuancier au départ d’échantillons trouvés dans la nature. Je ferai moi-même l’exercice avec des feuilles, ça tombe bien c’est l’automne, il y a encore de magnifiques feuilles colorées à trouver. Mais rien ne vous empêche de choisir des sables, des terres, des galets…
La gamme sera limitée? Soit, les nuances n’en seront que plus riches et nombreuses.
La collection peut être éphémère ou permanente, l’essentiel est de la constituer.
Et une collection de photos de feuilles? Pourquoi pas, mais la photo ne reproduit jamais exactement les nuances, observez les différences entre ce que vous voyez et ce que l’écran vous dit, et notez-les dans un petit carnet. Souvent les couleurs sont plus saturées sur la photo que dans la réalité. Si vous avez un logiciel de développement photo vous pourrez récupérer des nuances mais seulement dans une certaine mesure . Par contre la photo permet de capter des transparences, des effets d’échelles, des rapports de couleur, tout cela est très intéressant pour développer votre sens de la couleur et de l’harmonie mais ne fait pas l’objet de ce présent défi.
En assemblant des nuances de couleur pour réaliser des œuvres éphémères installées dans la nature, l’artiste de “Land Art” Andy Goldsworthy” m’inspire particulièrement, et plus spécialement par sa série “Leaves”, qui joue sur des dégradés ou sur la présence de plusieurs couleurs sur des feuilles similaires.
On sera plus modeste dans nos réalisations, on se contentera de collectionner des nuances et de les utiliser dans des créations personnelles.
Alors, on met en œuvre la méthode O (Observer), R (Reproduire), C (Créer)?
Les feuilles mortes m’ont toujours paru poétiques. Une des premières photographies que j’ai vendue était une nature morte mettant en scène trois feuilles remarquables: des petites taches jaunes, orange et brun finement dessinées sur un fond rouge foncé les rendaient touchantes et très graphiques.
Depuis, je n’ai cessé de prendre des feuilles en photo. Je découvre toujours des formes, des lignes, des dessins, des couleurs, ou des associations nouvelles. J’affectionne particulièrement les feuilles mortes sur l’eau.
Dans votre recherche, n’hésitez pas à regarder les deux côtés de la feuille, elle offre parfois des nuances tout aussi intéressantes et très différentes sur la face qui n’est pas exposée à la lumière directe du soleil.
Quand j’ai vu pour la première fois ces feuilles au revers blanc, j’ai d’abord cru que quelqu’un avait jeté de la peinture blanche dans ce parc. Mais non, il s’agissait bien de feuilles blanches! Ce matin, je les ai photographiées sur un fond givré.
Depuis que je me suis fixée ce défi, j’ai fait d’autres découvertes chromatiques: des fruits violets, des tiges rose ou vert vif, … et tout çà, en ville, près de chez moi. Si dans votre quête vous êtes séduits par de belles associations, par le travail graphique du givre qui dessine les formes, n’oubliez pas cette expérience même si elle ne fait pas l’objet de ce présent défi, gardez en le souvenir en notant, en dessinant, en photographiant.
C’est amusant d’observer les mélanges de feuilles mortes, des feuilles encore sur les arbres au-dessus d’un tapis de feuilles récemment tombées. Évitez cependant de dépouiller les arbres des jardins publiques, mais dans votre jardin, vous êtes le seul maître à bord.
Depuis plusieurs semaines, au cours de mes promenades, je récolte de jolies feuilles; je ne me limite pas aux feuilles uniformes, ni même à celles qui ne sont pas abimées. Hier, je suis partie avec un sac de plastique que j’ai très vite rempli.
Évidemment, pour constituer une collection permanente, il faut sécher les feuilles. L’intensité des couleurs va s’atténuer mais vous pourrez utiliser les feuilles séchées. La meilleure manière de les sécher consiste à les essorer dans un premier temps avec du papier absorbant ou des mouchoirs en papier, puis de les placer dans des bottins de téléphone ou entre des feuilles de papier journal, avec une bonne tonne de livres pour maintenir une pression.
Si vous faites l’exercice aujourd’hui, vous pouvez ignorer la séance de séchage en acceptant le côté éphémère de votre réalisation. Mais dans tous les cas, essuyez un minimum les feuilles et presser les dans du papier journal au moins quelques heures. Utilisez les feuilles aujourd’hui, car demain, elles seront recroquevillées.
Beaucoup de feuilles ne sont pas uniformes. Dans cet exercice le but n’est pas de constituer un nuancier parfait mais plutôt de se laisser charmer par des dégradés, par des annotations colorées décidées par la lumière, par la constitution de la plante, voire même par des maladies. Ça complique la tâche. Pour le moment, mettez de côté les feuilles que vous trouvez intéressantes pour leur forme, leur mélange de couleurs, leur graphisme intéressant. Elles serviront pour un prochain défi.
Faites des tas reprenant des couleurs semblables, comme le montre la photo d’introduction et la photo suivante.
A cette étape, vous pouvez choisir de garder les feuilles telles quelles, comme matériau brut ou de les décomposer pour les recomposer vous-mêmes dans une création personnelle.
A mon sens, une des forces de l’œuvre de Goldsworthy est de se concentrer uniquement sur les couleurs du matériau et en s’abstrayant totalement de la forme de la feuille, souvent en en créant une nouvelle, très simple qui exploite le graphisme individuel de chacune.
On peut s’abstraire partiellement de la forme en découpant les feuilles, par exemple en lanières, en carrés, en rectangles, ou en redessinant leurs contours, en supprimant certaines parties ou en créant des associations qui effacent les contours.
Vous pouvez coller les feuilles sur du carton ou simplement les attacher ensemble avec du papier collant ou même à la machine à coudre. Pour les feuilles collectées le matin, j’ai opté pour la couture. Avec des feuilles trop sèches, la méthode risque de les mettre en pièces. J’ai utilisé
Proposer et illustrer 21 exercices pour développer par la pratique le sens de la couleur et de l’harmonie, à raison d’un exercice par semaine.
Pourquoi 21 exercices? S’appliquer pendant 21 jours me paraît un temps suffisant pour opérer un changement significatif. Aussi, quand tous les exercices seront disponibles, un lecteur de ce blog, s’il dispose d’un minimum de temps, pourra acquérir en trois semaines une plus grande maîtrise de la couleur et sera à même de l’appliquer dans les domaines qui lui sont chers.
Pourquoi se focaliser sur la couleur? Elle ne concerne pas une technique en particulier, vous pouvez développer votre sensibilité et dès lors embellir votre environnement quotidien, voire transfigurer votre espace familier. C’est une porte vers la création, source de joie et de satisfaction.
Pour ma part, la couleur est une passion et elle me réjouit; je voudrais mieux l’utiliser dans mes réalisations artistiques, transmettre plus efficacement ce que j’en connais et analyser plus finement le bien-être que cette recherche peut apporter à chacun.
Ça ressemble à l’intention de ce blog me direz-vous, sauf que dans le blog, jusque-là je ne m’expose pas beaucoup. Je prétends qu’il développe votre sens de l’harmonie mais comment pouvez-vous voir vos progrès? Et pouvez seulement juger les miens?
Aucun prérequis si vous vous lancez dans ce défi. Que vous soyez débutant, amateur, et peut-être même professionnel, vous trouverez je l’espère un intérêt dans ces exercices.
Je m’engage à illustrer ces exercices par ma pratique personnelle ; mon intention est avant tout de guider chacun et surtout les débutants, aussi n’hésitez pas à me donner un retour sur la difficulté à les réaliser.
Dès que je vois un « bon » livre sur la couleur, c’est plus fort que moi, je dois l’avoir. Et si je l’achète, je ne le lis pas toujours entièrement, même s’il est très intéressant. Boulimie bibliophile. Je me nourris intellectuellement mais je ne mets pas suffisamment mes connaissances en pratique.
Aujourd’hui, plutôt que de dévorer toutes ces sources: livres, articles, sites internet, syllabus de workshop, etc., je pourrais les déguster, en apprécier toute la saveur et y puiser ce que les auteurs recommandent pour créer mes propres exercices. En un mot: pratiquer. Vous verriez mes progrès et si vous décidez de relever également le défi, vous verriez les vôtres.
Artiste pluridisciplinaire — mais plus spécialement photographe — j’ai déjà une certaine pratique. Si vous vous lancez avec moi, je vous invite à faire un bilan: qu’avez-vous fait jusque-là pour apprivoiser la couleur et développer votre sens de l’harmonie?
J’ai identifié quelques étapes importantes dans cette quête, à savoir: observer, reproduire, créer, ce qui est résumé dans l’anagramme “ORC”. Dans la suite de cet article vous trouverez quelques exercices que je me suis imposés dans ces différentes étapes. Ces exemples vous aideront à réfléchir au travail que vous avez aussi déjà effectué, peut-être sans le savoir. Vous trouverez d’autres illustrations dans mon portfolio où l’étape “création” est spécifiquement mise en valeur.
Développer sa perception passe par l’observation. Pour ma part, j’ai tout naturellement observé les oeuvres de grands artistes peintres et photographes.
Par exemple, dans des expositions de photographies, j’ai fait des petits croquis pour noter les zones d’ombre et de lumière. Elles me semblent fondamentales dans la composition et donc dans la lecture d’une image.
Le contraste de clarté qu’on appelle “clair-obscur” est le premier contraste qui saute au yeux. Ici j’ai fait un croquis de la photo, et ai identifié les zones claires et foncées.
On est souvent surpris de l’audace des grands coloristes; ils n’hésitent pas à peindre un visage en vert, un ciel en jaune, des arbres en bleu. L’observer et le noter m’a aidée à explorer des pistes plus expressives. Ici encore j’ai fait des croquis de tableau pour noter la composition et j’ai noté les endroits où les couleurs me semblaient particulières.
Certains vous diront de ne pas copier. Pourtant si vous lisez les biographies des plus grands artistes, vous verrez qu’ils ont tous copié à un moment où l’autre de leur carrière, surtout au début ou quand ils se trouvaient dans une traversée du désert, pris par l’angoisse de la page blanche.
Aussi, reproduire moi-même les couleurs qui construisent un tableau a été une de mes premières quêtes. À une époque, j’ai même emporté des peintures acryliques au musée pour saisir la palette des tableaux qui m’inspiraient. Pas sûre qu’ils l’autoriseraient encore aujourd’hui.
Depuis, j’ai découvert le travail de David Hockney sur iPad et, quand je visite une exposition, j’utilise les couleurs digitales pour noter rapidement la palette et la composition d’un tableau qui m’intéresse.
Dans une première série d’expériences systématiques, j’ai essayé de faire ce même exercice, à savoir capter la composition et les couleurs et les approcher par mélange de cinq couleurs: cyan, magenta, jaune, noir et blanc, le kit de base qu’on vend pour les graphistes débutants.
Après une quinzaine de reproductions, j’ai rajouté le pigment terre de sienne (ocre) et la terre d’ombre brulée (brun); les fabriquer à chaque fois prenait trop de temps.
Où que j’aille, j’essaie de saisir les harmonies colorées. J’adore les cabines de plages, les parasols et les transats colorés; j’essaie de les placer dans des compositions intéressantes mais pas trop figées.
La linogravure tout comme la sérigraphie, se prête particulièrement aux recherches de couleur: il suffit de changer la couleur d’une planche ou d’un écran et le résultat créera une atmosphère différente. Pour mes linogravures de la Mer du Nord, quelques essais préparatoires me donnaient des pistes à explorer.
Au départ de mes photos, j’aime simplifier la palette de couleur tout en explorant différents pigments de marques de gouache extrafine. Vous trouverez les photos originales ici.
Enfin j’ai créé des harmonies au départ de formes simples, répétitives, que j’ai soulignées par des coutures colorées réalisées à la machine, ce qui confère à chaque forme peinte à la gouache une impression de cuir coloré.
Dans ce défi de 21 semaines, je vous propose d’élaborer sur ces différents exercices mais aussi d’en proposer d’autres, à raison d’un par semaine. La difficulté sera progressive et ne supposera aucun acquis de votre côté.
Dans chacun d’eux vous exploiterez les techniques qui vous conviennent: le texte — eh oui, le simple carnet dans lequel on note des observations de couleur peut être un point de départ, la photographie, le découpage-collage, la peinture acrylique, la gouache ou l’aquarelle et enfin le dessin digital.
Si l’une ou l’autre de ces techniques vous intéresse plus particulièrement, n’hésitez pas à le noter dans les commentaires. Je ne les maîtrise pas toutes, c’est dès lors également un challenge pour moi.
Votre implication dépendra du temps que vous y consacrerez. Je recommande la méthode ORC (Observer, Reproduire, Créer) pour en tirer le meilleur profit mais l’essentiel est de vous investir au moins dans un point que ce soit le O (observer) ou le C (créer).
Vous serez juge de mes progrès. Accompagnez-moi dans l’aventure et partagez le résultat de vos recherches et vos réalisations sur Instagram et Pinterest, en utilisant les « hashtags » que j’indiquerai.
Je compte sur vous! Merci de m’encourager.
En attendant, n’oubliez pas le conseil de Claude Lévêque, la couleur, c’est aussi pour rêver!
Artiste, styliste, femme entrepreneur, Anne Élisabeth joue avec les teintes, les tissus et les défis, pour son plaisir et pour le nôtre.
A l’inspiration, Anne Élisabeth absorbe les odeurs, les couleurs, les sons et les sentiments; à l’expiration, elle crée des motifs, des modèles de robes et des histoires poétiques qui les dévoilent.